LA INTERTEXTUALIDAD MUSICAL COMO UN TEJIDO DE MEMORIA COLECTIVA

“El objetivo del razonamiento es encontrar, a partir de la consideración de lo que ya conocemos, algo más que no sabemos”.

— C. S. Peirce, “The Fixation of Belief” (1877)

Cada músico, compositor y oyente carga consigo una memoria sonora hecha de otras canciones, estilos, gestos y experiencias previas. Desde este lugar, la creación musical puede entenderse como un diálogo constante con lo que ya existe, y a ese diálogo lo llamamos intertextualidad. La intertextualidad musical ocurre cuando una obra musical se relaciona con otras: las cita, las evoca, las transforma o simplemente habla en su mismo lenguaje.

La intertextualidad no es copiar es crear y resignificar.

El uso del intertexto parte muchas veces de una resemantización o reconceptualización de discursos anteriores. El compositor toma materiales conocidos para romper con códigos ya establecidos, evitar fórmulas gastadas o enriquecer el sentido de su obra. Un ejemplo claro es Gustavo Cerati. En canciones como Té para tres, no hay una cita literal de otra obra, pero sí un diálogo evidente con el lenguaje armónico y emocional heredado de Luis Alberto Spinetta, quien Cerati ha mencionado como una de sus principales inspiraciones: guitarras arpegiadas, climas íntimos, silencios cargados de sentido. Cerati no “toma” un riff específico, sino que habla en un idioma musical ya existente, resignificando desde su propia experiencia. Esto nos lleva a una idea clave: crear algo nuevo no significa partir de cero, sino mirar lo conocido desde otro lugar, ser inspirado e inspirar.

¿De dónde viene la idea de intertextualidad?

El concepto de intertextualidad fue desarrollado por la teórica Julia Kristeva, a partir de las ideas del filósofo ruso Mijaíl Bajtín. Para Bajtín, el ser humano es esencialmente dialógico: vivimos en relación con otros y nuestros discursos siempre están atravesados por voces ajenas. Kristeva sintetiza esta idea de forma contundente cuando afirma: “Todo texto se construye como un mosaico de citas; todo texto es absorción y transformación de otro texto”. Esto significa que una obra no es un objeto cerrado, sino un espacio de encuentro entre:

• quien la crea

• quien la recibe

• y el contexto cultural que la rodea.

En música, esto se traduce en estilos heredados, gestos reconocibles, géneros compartidos y referencias más o menos evidentes.

Tipos de intertextualidad musical

El musicólogo Rubén López Cano propone cinco formas de clasificar la intertextualidad en la música y yo lo explico con ejemplos de música que me gusta.

Cita

Es la forma más evidente de intertextualidad. Ocurre cuando una obra incorpora un fragmento reconocible de otra sin modificarlo. Un ejemplo ampliamente conocido es el inicio de All You Need Is Love de The Beatles, que cita La Marsellesa. Esta referencia no es casual: funciona como un recurso simbólico para reforzar la idea central de la canción, el amor, asociándolo con París, tradicionalmente identificada como la “ciudad del amor”.

Parodia

Consiste en tomar un material previo y reelaborarlo. Aunque suele asociarse con el humor, la parodia no siempre busca hacer reír. Un ejemplo es la versión de All by Myself interpretada por Mr. Bungle, que dialoga directamente con la balada romántica de Eric Carmen, una canción que se volvió especialmente icónica gracias a la película de Bridget Jones, donde quedó asociada a la soledad y al desamor. En este caso, Mr. Bungle exagera los códigos emocionales de la canción original hasta volverlos incómodos y cambia la letra para transformarla en una canción de protesta. El estribillo pasa de All by myself a Go fuck yourself, lo que produce un quiebre claro con el sentido original. La referencia es evidente, pero el resultado construye un significado completamente distinto, basado en el contraste y la resignificación.

Transformación de un original

Incluye versiones, arreglos o reescrituras de una obra musical. Un ejemplo es el álbum Scratch My Back (2010) de Peter Gabriel, en el que versiona canciones de artistas como David Bowie, Radiohead y Arcade Fire. Todas las piezas son reinterpretadas exclusivamente con orquesta, sin utilizar instrumentos propios del rock. En este caso, Gabriel no busca imitar las versiones originales, sino resignificarlas a través de un lenguaje sonoro distinto, transformando su carácter y su forma de escucha.

Tópico

Aquí no se referencia una obra específica, sino un estilo o género reconocible. La artista Florence + The Machine en su álbum How Big, How Blue, How Beautiful retoma el lenguaje del rock épico, el blues y el romanticismo inglés. No copia canciones concretas, pero suena a una tradición reconocible.

Alusión

Son referencias más sutiles, que suelen pasar desapercibidas sin un cierto contexto previo. Siguiendo el ejemplo del álbum How Big, How Blue, How Beautiful esta alusión se encuentra en la narrativa audiovisual de The Odyssey, el proyecto que reúne los videoclips de este álbum de Florence + The Machine. Allí se alude a La Odisea de Homero, no como una adaptación literal, sino como una reinterpretación simbólica del viaje, la caída y el regreso. Estos elementos se trasladan al cuerpo y a la experiencia emocional de la artista, lo que permite observar que la intertextualidad no se limita a la letra de las canciones: también se construye a través del performance y de lo audiovisual.

La intertextualidad musical no se limita a las letras. Está presente en:

• el sonido

• el arreglo

• la forma de cantar

• el cuerpo en escena

• los videoclips

• el concepto visual

El oyente como parte del intertexto

Todo esto solo funciona si hay alguien que escucha. La intertextualidad depende del oyente como ser social e histórico, no solo como alguien que recibe estímulos sonoros. Como señala López Cano, escuchar música implica reconocer, consciente o inconscientemente, ecos del pasado. A veces sabemos de dónde vienen; otras veces solo sentimos que algo “nos suena” familiar. La intertextualidad musical nos permite entender que la creación artística no es un acto aislado, sino un tejido de memorias, influencias y resignificaciones. Citar, aludir, parodiar o trabajar con tópicos no empobrece la música: la vuelve más rica, más consciente de su lugar en el tiempo.

MAJO CUEVAS

COLABORADORA

Lic. en Díseño y Comunicación Visual por la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México.

Directora de Arte y fiel admiradora de todas las expresiones creativas. El cine y la música son la esencia que inspira mi existencia y mi trabajo.